Avec En ces temps, Makaya McCraven a mis au point une méthode dans laquelle il tisse des techniques d’improvisation jazz et d’enregistrement hip-hop avec une sensibilité qui masque une attention obsessionnelle au détail.
Sulyiman Stokes/Avec l’aimable autorisation de l’artiste
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Avec En ces temps, Makaya McCraven a mis au point une méthode dans laquelle il tisse des techniques d’improvisation jazz et d’enregistrement hip-hop avec une sensibilité qui masque une attention obsessionnelle au détail.
Sulyiman Stokes/Avec l’aimable autorisation de l’artiste
Lorsqu’il s’agit de comprendre la production musicale de Makaya McCraven au cours de la dernière décennie, la preuve est en cours. En tant que batteur, producteur, chef d’orchestre et compositeur — « beat scientist » est le nom de groove – McCraven a forgé son style à partir de pièces vrombissantes et de conceptions habiles. Travaillant avec l’improvisation de groupe non structurée et la postproduction numérique en boucle, il apporte une touche organique aux rythmes récursifs du hip-hop, d’une manière qui favorise l’interaction. Ses albums acclamés dans ce mode, à commencer par ceux de 2015 Sur le momentont tous eu l’impression de faire partie d’un ensemble plus vaste, comme s’il était moins investi dans la conception d’un produit que dans la documentation de ses progrès.
En ces temps, La nouvelle offre rayonnante de McCraven confirme qu’il a bien dépassé la phase de preuve de concept – montrant qu’il est possible d’utiliser des outils de toute l’histoire de la performance jazz et de la production hip-hop, avec une main sensible qui masque une attention obsessionnelle aux détails . De loin le plus « fini » de ses albums, il rassemble un total de 15 collaborateurs dans une tapisserie sonore qui scintille à mesure qu’elle coule. Voici un monde musical autonome débordant de complexité rythmique et de variabilité dynamique, mais accessible sous tous les angles. Cela n’enlève rien aux entrées précédentes du catalogue de McCraven pour suggérer, comme il le fait, que tout le reste se préparait à cela.
L’album s’ouvre sur sa chanson-titre, et quelque chose comme un manifeste. Viennent d’abord les applaudissements et un ostinato nerveux pour les cordes. Puis la voix de l’activiste, acteur et chanteur Harry Belafonte, tirée d’une interview avec Studs Terkel en 1955. Il n’y a aucune indication sur le contexte, mais Belafonte paraphrase le héros folklorique afro-américain John Henry, parlant de l’affront d’une perceuse à vapeur. amené à creuser le tunnel de Big Bend en Virginie-Occidentale à la fin du 19e siècle.
« Je ne voudrais jamais être connu comme quelqu’un qui s’oppose au progrès », dit Belafonte, dans la voix d’Henry, « mais ce n’est plus une question de progrès ou pas de progrès. » Faisant allusion à ceux qui sont morts au travail, il ajoute : « Notre dignité y est en jeu, notre intégrité et tout ce que nous croyons en tant qu’ouvriers sont impliqués, de sorte que je ne suis pas vraiment opposé à la machine, j’ai juste l’impression que la machine ne peut pas remplacer l’âme et la sueur pour les nombreux hommes qui sont morts pour aider à construire ce tunnel, et nous devons le terminer, et ce n’est tout simplement pas possible. »
McCraven entoure l’échantillon d’un tourbillon captivant, déplaçant des éléments dans et hors du mix d’une manière qui invoque des sons familiers tout en alchimisant une nouvelle infusion. Une impulsion saccadée en mètre asymétrique. Harpe glissandi et cordes pizzicato. Une mélodie lugubre et royale, écrite pour violons et sitar. Après la citation de Belafonte, place au saxophoniste alto Greg Ward, dont le solo suppliant lyrique culmine dans un cri étranglé. Il se passe tellement de choses dans le morceau, qui s’étend sur sept minutes, soit deux fois la durée de la plupart des autres morceaux de l’album; c’est une ouverture qui expose ce que McCraven poursuit thématiquement, alors qu’il entame sa propre négociation entre l’homme et la machine.
Il ne l’a peut-être pas voulu dire de cette façon, mais le titre de En ces temps porte un double sens, reconnaissant non seulement notre époque, mais aussi la gamme de polymètres de l’album. « High Fives » superpose une quintuple pulsation avec des rythmes croisés obliques ; « This Place That Place » place une cymbale ride se balançant vivement sur un ensemble de syncopes oblongues. Ce ne sont pas le sous-produit d’une fascination portée par le conservatoire pour la complexité formelle, mais plutôt l’extension d’un droit de naissance. McCraven est le fils né à Paris d’un batteur de jazz américain, Steven McCraven, et d’une chanteuse hongroise, Ágnes Zsigmondi. Dans un épisode de 2019 de Soirée Jazz en Amérique, il a tiré le rideau sur son éducation bohème, et notamment l’influence de sa mère ; l’épisode comprend une berceuse adaptée d’une chanson qu’elle a écrite avec Péter Dabasi, pour leur groupe folk Kolinda.
La même chanson apparaît ici, sous le nom de « Lullaby », avec une mélodie introduite par la harpe de Brandee Younger puis reprise par des cordes pizzicato. Younger est l’un des rares improvisateurs intuitifs qui constituent le cercle restreint de McCraven, et la plupart des autres – y compris Ward, le trompettiste Marquis Hill (sur « The Calling ») et le flûtiste De’Sean Jones (sur « Seventh String ») – ont des moments ici pour briller. Parmi les autres partenaires cruciaux du mix figurent les guitaristes Jeff Parker et Matt Gold, le vibraphoniste Joel Ross et surtout le bassiste Junius Paul. J’ai surpris le groupe de McCraven en action à trois reprises cet été, chaque fois avec une composition légèrement différente – mais Paul était une constante, ses lignes de basse formant la colonne vertébrale flexible de chaque morceau. Comme toujours, vivre cette musique en direct peut inspirer Création-comme une rumination, puisque les musiciens sont des compositions abstraites dont ils ont précédemment généré la matière première sur d’autres scènes.
La mélodie a toujours été une arme secrète dans la musique de McCraven, qui tisse souvent quelques crochets différents dans une chaîne. En ces temps présente certains des thèmes les plus attrayants qu’il ait jamais créés. L’un d’eux, « So Ubuji », a une mélodie de marimba, un tempo de tête et la rare distinction, sur cet album, de se dérouler dans une cadence directe de 4/4.
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Mais le plus remarquable, en termes hummables, est « Dream Another », avec une ligne simple mais sinueuse pour flûte et sitar sur une basse électrique à la Motown et un rythme qui évoque une pause hip-hop poussiéreuse. (La chanson, pour ce qu’elle vaut, est définie dans un 7/4 si lisse qu’elle ne semble pas le moins du monde de travers.) Vous pourriez penser à une sortie de Stevie Wonder pendant que vous écoutez, ou à une coupe profonde par les Mizell Brothers . Vous pourriez penser à quel point ce mélange musical sur mesure se rapporte à notre idéal en constante évolution du « jazz » et jusqu’où son influence ira. Ou vous pourriez simplement mettre de côté la pensée et vous abandonner aux sentiments. Aussi fascinantes que soient les méthodes de travail de McCraven, ce qui compte, c’est le charme qu’il crée avec le groove, qui ne demande pas comment nous en sommes arrivés là mais indique la direction dans laquelle nous nous dirigeons, une étape à la fois.