Cet examen fait partie de notre couverture Sundance 2021.
Le pitch: Basé sur le roman du même nom de Nella Larsen en 1929, Qui passe suit Irene (Tessa Thompson) et Clare (Ruth Negga), deux femmes métisses qui peuvent traverser la vie en passant pour des blancs. Alors que Clare se délecte de cela, Irene le porte avec dédain, et lorsque le duo se réunit, tout l'enfer se déchaîne à Harlem.
Le hors concours: C’est comme si la réalisatrice Rebecca Hall savait que 2021 serait le moment idéal pour présenter son premier film à Sundance. Son premier long métrage aborde la question du colorisme – quelque chose de si omniprésent et transparent maintenant plus que jamais. C’est un sujet qui a déjà été exploré dans des films tels que Reine, Imitation de la vie, Scolaire Daze, et Peau, mais Qui passe se démarque en combinant les défis du colorisme et la violence du regard féminin avec les complexités de la queerness et du classisme.
En tant que réalisateur pour la première fois, Hall construit un film aux prouesses techniques et esthétiques étonnantes. Elle pense à tout dans les moindres détails, où rien de ce que vous voyez n'est par accident, et aucune dépense n'a été épargnée. Hall voulait clairement livrer l'adaptation la plus fidèle du roman de Larsen, et bien que ce soit une merveille à regarder – et certainement portée par deux performances magnétiques – l'histoire n'a pas la gravité pour affronter les problèmes à portée de main et cela continue Qui passe d'être vraiment un grand cinéma.
Véritable ou opportuniste? Les deux amis de Chicago susmentionnés se retrouvent dans un hôtel à New York. C’est ici que nous apprenons que Clare est mariée à John (Alexander Skarsgård), un homme blanc, et a une fille. D'un autre côté, Irene est mariée à Brian (Andre Holland), un médecin noir, et vit à Harlem avec leurs deux enfants. Bientôt, Irene découvre que John est raciste et qu'elle et Clare sont impuissantes à arrêter ses insultes alors qu'elles se cachent sous le couvert de la blancheur. Bien qu'Irène quitte l'hôtel en supposant qu'elle ne reverra plus jamais son amie, Clare écrit ses lettres implorant une reconnexion, en particulier avec la culture dont elle a été isolée.
Après avoir alerté Clare du danger dans lequel elle se met en venant à Harlem, Irene laisse lentement Clare entrer dans sa famille et sa vie professionnelle. Au début, elle est amoureuse de Clare, mais quand Irene pense que son amie essaie peut-être de voler son mari et son style de vie, ses sentiments se transforment en ressentiment. Cela crée une spirale descendante de paranoïa où personne ne peut dire si Clare vit une expérience véritablement libératrice dans son affection pour Irene ou si elle est opportuniste et planifie quelque chose de sinistre.
Ouf! Comme vous pouvez le voir, il y a beaucoup continuer dans ce film: colorisme, mariage, famille, classisme, tout y est. Mais chaque sujet est abordé de manière si nonchalante et cynique qu’il est difficile pour le public de s’attacher à quelque chose. Ce qui n'est pas clair, cependant, est si la tension qu'Irène ressent autour de Clare est basée sur de la colère et de la jalousie pures, ou si Claire passant comme blanche et empiétant sur son espace personnel est le problème. Au lieu de cela, l'accent est mis sur les aspects queer de leur relation – pas seulement sur sa sexualité, mais sur le besoin d'appartenir et d'être embrassé.
Trop peu, trop tard: Dans une scène, Irene et Clare sont à une fête, et la caméra (à travers les yeux d'Irene, remarquez) fait un panoramique sur la robe dos nu de Clare. Irene attrape la main de Clare – presque dans une déclaration d'amour – mais l'histoire fait rapidement passer le regard de l'admiration au désir toxique. Irene est obsédée par le fait que son mari triche ou non. Clare ne l’améliore pas en apparaissant à des moments inopportuns pour se retrouver dans l’espace d’Irene sans son consentement. Cela la rend méprisante. C’est quelque chose que le public verra dans Irene et son air renfrogné semi-permanent, mais cela n’est jamais exprimé par des mots. Irène dit rarement ce qu’elle ressent à haute voix. Pour cette raison, tout ce que le film tente d'expliquer est vague, cela justifie trop de théories inutiles et devient carrément épuisant.
Il y a quelques moments de répit. En tant que seul écrivain, Hall a raison d'éviter une représentation stéréotypée des femmes métisses. Clare n'accepte pas la tragédie, mais atteint triomphalement son objectif de fusion – même en sachant que plus elle se rapproche de Blackness, plus elle est proche de la mort. À la fin, Hall accentue ce fait lorsque Clare se rapproche de la fenêtre du sixième étage. Cette notion est encore plus embellie lorsque la chanson en arrière-plan retentit – tout comme la caméra est verrouillée sur le visage de Clare – et chante: "Vous êtes heureux maintenant!" C’est un petit signe plein d’espoir qu’elle est satisfaite, peu importe ce qui l’attend.
Les performances: Une telle émotion brute est épaulée par les performances de Thompson et Negga. Les deux se complètent en représentant des personnages qui existent aux extrémités opposées du même spectre. Dans les 15 premières minutes du film, quand Irene rencontre le mari de Clare, Thompson travaille ce rire fort et diabolique qui est si diabolique que ça fait peur. Elle porte tous les désagréments et chaque moment de stress sur son visage – c'est un travail qui définit sa carrière. Negga est tout aussi sublime dans ce rôle, prouvant une fois de plus qu'elle est bien trop sous-utilisée par Hollywood. Dans chaque scène, elle bulldozer comme une boule d'énergie chaotique et triste qu'il est irrésistible de détourner du regard. C’est bizarre, c’est un petit camp, et il est impossible de sortir de la tête.
Le verdict: Rebecca Hall est une réalisatrice qui comprend le cinéma, et sa vision est ici aidée par le directeur de la photographie Eduard Grau, qui crée une palette à la fois nette et floue. Il s’agit d’une expérience cinématographique immersive des années 1920: tout, de la langue à la musique, la scénographie, les costumes, même la façon dont les gens dansent sont conçus pour donner au spectateur l’impression d’être en 1929 et de regarder un film de 1929. Et bien que le scénario ne suive pas le roman à la lettre, il s’agit certes d’une première tentative animée étant donné que le récit lui-même est un défi de taille à surmonter. Néanmoins, il n'y a tout simplement pas assez de clarté pour évaluer correctement ce Qui passe essaie de dire et pour qui c’est au-delà des portraits éblouissants et des performances mémorables.