Les nouveaux albums des chefs d’orchestre Jon Batiste et Louis Cato donnent envie à l’auditeur de vivre l’expérience live
À mi-chemin de la tête d’affiche triomphale de Jon Batiste au Newport Jazz Festival plus tôt ce mois-ci – juste après un éloge gospel endiablé sur sa chanson « I Need You » – l’homme a appelé des renforts. « Mon frère Louis Caton ! » Batiste glapit depuis le banc du piano, désignant la silhouette mince et encapuchonnée qui venait de sauter sur scène avec un micro à la main, comme un assassin ninja chantant du scat. La connexion musicale entre eux était lâche et légère, proche de la jubilation lorsque Batiste dirigeait son big band dans une reprise de « (Night Time Is) The Right Time » de Ray Charles, avec un appel et une réponse qui soulevaient les chevrons.
Batiste, dégingandé et bruyant dans un costume rouge pompier, et Cato, félin tout en noir, ont partagé ce moment collégial à Newport de la même manière qu’ils ont partagé une rare distinction – en tant que deux seuls chefs d’orchestre à plein temps sur Le Late Show avec Stephen Colbert. (Cato, un membre essentiel du groupe maison du spectacle, a pris la relève après que Batiste a quitté son poste l’été dernier.) Il faut un type particulier de musicien pour maintenir l’équilibre quotidien entre flexibilité, hospitalité, magnétisme et discipline requis pour ce rôle. Et en tant qu’artistes live captivants – sur n’importe lequel scène, pas seulement celle du théâtre Ed Sullivan – Batiste et Cato donnent l’impression que cela semble naturel, voire tout à fait facile.
Les deux artistes ont sorti de nouveaux albums studio ces dernières semaines: le deuxième album solo de Cato, Reflets, abandonné le 11 août, et le dernier de Batiste, Radio musique du monde, arrivé vendredi dernier. Chaque album a été soigneusement conçu, avec des éclairs d’inspiration et un haut niveau de savoir-faire. Chacun est également un rappel de ce qui se perd lorsqu’une dynamo musicale tente de consolider son talent débordant dans une unité stable, comme un génie se serrant dans une lampe. De différentes manières, ces deux albums montrent ce qui peut arriver lorsque la recherche attentive d’un public – et, à un certain niveau, d’un terrain de jeu – pousse un artiste à mal évaluer la mission, ainsi que ses propres forces.
La production de Batiste est de loin la plus importante et celle qui suscite les plus grandes attentes. Radio musique du monde marque son premier album complet depuis NOUS SOMMES, qui a bouleversé un groupe de nominés parmi lesquels Billie Eilish, Taylor Swift, Olivia Rodrigo et HER pour remporter l’album de l’année aux Grammy Awards 2022. Ce qui était alors considéré comme une vision du monde musicale véritablement kaléidoscopique – une extension naturelle de la vision indisciplinée et extatique de Batiste – a maintenant succombé à une vision plus grandiose et plus fade de l’utopisme pop.
Il y a un concept en jeu Radio Musiques du Monde. Comme le titre l’indique, Batiste est présenté comme le disc-jockey d’une émission mondiale toute la nuit, dotée d’une ligne de demande d’appel. Composez ce numéro, qui commence naturellement par 504, l’indicatif régional de la Nouvelle-Orléans natale de Batiste, et vous entendrez le morceau d’ouverture de l’album : un contrôle aérien statique de sa connexion en tant que DJ intergalactique nommé Billy Bob Bo Bob. Ce dispositif de cadrage donne à Batiste un moyen de briser le quatrième mur, en s’adressant directement à son auditeur. « Je t’aime même si je ne te connais pas », marmonne-t-il dans « Au revoir, Billy Bob », faisant d’un vœu inconditionnel un réflexe moteur.
Batiste n’est pas le premier musicien de sa génération formé au jazz à se tourner vers le cadran de la radio comme métaphore alors qu’il courtise le grand public. Il y a un peu plus de dix ans, le pianiste Robert Glasper tenait à appeler son projet crossover R&B et hip-hop Radio noire — le premier d’une série d’albums qui ont établi une empreinte culturelle au-delà de leurs Grammy Awards. La même année 2012, la bassiste et chanteuse Esperanza Spalding sort un album qu’elle intitulé Société de musique radiophonique, disant à NPR à l’époque que « L’avantage de la radio est que quelque chose au-delà de votre domaine de connaissance peut vous surprendre, peut entrer dans votre domaine de connaissance. »
Ce qui est curieux, c’est pourquoi Batiste, qui a des années d’expérience dans le domaine de la radiodiffusion, opte pour une forme d’expression pop aussi homogénéisante avec son émission de radio conceptuelle. Radio musique du monde ressemble à un bazar mondial coopté par les entreprises : sa liste d’invités comprend des artistes comme le chanteur nigérian Fireboy DML et la chanteuse et tromboniste catalane Rita Payés, mais la collaboration la plus emblématique est un partenariat de marque avec Coca-Cola, qui a sorti un single de l’album « Be Who You Are (Real Magic) », dans le cadre de sa plateforme musicale mondiale Coke Studio™. La chanson – un mashup dancehall impliquant le groupe de filles K-pop NewJeans, le rappeur d’Atlanta JID, l’auteur-compositeur-interprète britannique Cat Burns et le chanteur colombien Camilo – touche une corde sensible un peu comme l’ancienne campagne publicitaire « Achetez un coca au monde ».
Les paroles de Batiste, qui tendent par défaut vers une élévation polyvalente, ne l’aident pas à transcender cet air générique. Même « Butterfly », sa ballade la plus touchante, baigne dans le souvenir sensoriel de « Blackbird » de Paul McCartney. Sa collaboration avec Lil Wayne devrait être un triomphe terrestre – à la manière de son récent invité avec une autre icône du rap de la Nouvelle-Orléans, Juvenile, au Tiny Desk – mais « Uneasy » les déploie sur un rythme évoquant les réglages d’usine, avec une guitare tâtonnante. en solo pour faire bonne mesure. (« Life Lesson », une collaboration avec Lana Del Rey, a davantage un centre émotionnel, mais est ajouté à la fin de l’album ; c’est à la fois une réflexion remarquable et une réflexion après coup.)
Tout au long de Radio Musiques du Monde, Le message fondamental d’inclusivité de Batiste se glisse trop facilement dans une approche conformiste. « Nous sommes nés pareils », chante-t-il dans « Worship », sur un bourdonnement religieux de synthétiseurs. « Retournez à cet endroit. » En tant que paroles d’un album, cet appel à la similitude sonne creux, ignorant les véritables distinctions qui font de chaque auditeur un individu. Le pouvoir magique de Batiste en tant qu’interprète, en revanche, confère un sentiment naturel d’appartenance. Il l’a fait avec « Worship » au Newport Jazz Festival, étendant son refrain de musique house sans paroles – « La da da-da, da-da, da-da » – en une longue chanson délirante. La beauté du public massif à ce moment-là n’était pas son homogénéité, mais plutôt son heureuse unité d’objectif.
Alors que Batiste arrivait à Newport en tant que héros de retour – tête d’affiche lors d’événements folk et jazz, tout comme il l’avait été en 2015 – Cato faisait ses débuts. Au cours d’un après-midi passionnant, il a été soutenu par certains des as de la musique qui, jusqu’à la grève de la Writers Guild of America, étaient ses partenaires réguliers sur Le spectacle tardif. (Profitant du talent sur le terrain lors du festival, il a également invité un invité de marque, l’organiste Hammond B-3 Larry Goldings.) En tant que chanteur, Cato privilégie la prestation douce et forte d’un artiste soul acoustique ; il peut suggérer un Donny Hathaway millénaire ou une extension du début de Maxwell. C’est un guitariste extrêmement doué — sur une chanson intitulée « Good Enough », son solo construit vers la même exaltation sans vergogne qui a été une carte de visite pour John Mayer — et son instinct de chef d’orchestre est infaillible.
Cato est également un auteur-compositeur, d’une manière modeste mais tactile : les chansons de son set de Newport, dont la plupart apparaissent sur Reflets, a trouvé un juste milieu entre l’introspection et l’exhortation, parfaitement familier avec notre lexique moderne de la thérapie. « J’avais trop peur pour affronter mes propres peurs », a-t-il chanté sur la chanson titre, sur un groove des Isley Brothers, « et je pouvais les voir en elle. » Sa clarté émotionnelle franche rendait tout à fait naturel de l’entendre chanter « Jealous Guy », dans un arrangement qui évoquait le traitement classique par Hathaway de la chanson de John Lennon.
Sur l’album, Cato joue de tous les instruments, se transformant en un seul homme, Wrecking Crew. (Il fait la même chose, avec un effet populaire, dans sa série Instagram #CatoCovers.) Cette autonomie sert les chansons et sa polyvalence, mais confère également un sentiment de cloître. Les meilleurs moments de sa performance à Newport concernaient l’échange mutuel d’énergies et la manière dont il les mobilisait. Il a une présence si galvanique et généreuse sur scène qu’on comprend pourquoi il a connu le succès en tant que chef d’orchestre sur Le spectacle tardif. Mais c’est une vérité gênante que son set à Newport a atteint son apogée indéniable avec la finale – une reprise exubérante et passionnante de « Move On Up », l’hymne de Curtis Mayfield. Cato devra trouver des moyens d’atteindre des sommets similaires avec sa propre musique, s’il a une chance de progresser.
Pour Batiste, la question ouverte est de savoir si la célébrité et la culture pop peuvent nourrir plutôt que d’étouffer ses particularités créatives – toutes les énergies euphoriques, incontrôlables et irrésistibles qui se sont déversées dans la foule de Newport. Le trop de Radio musique du monde est d’une autre sorte; en tant que produit musical, il est à la fois surmené et sous-alimenté. À la fin de « Be Who You Are », Batiste chante « We can only be who we are ». La phrase, avec son écho accidentel de NOUS SOMMES, apparaît comme une affirmation, mais c’est aussi une norme à respecter.