En décembre 2022, le groupe new-yorkais « ambient country » SUSS a sorti un double LP éponyme. Un peu comme leurs efforts précédents, SUSS a déjà apprécié sa part de superlatifs critiques et de placements sur des listes de fin d’année importantes. Pour leur culte grandissant, le trio – Bob Holmes, Pat Irwin et Jonathan Gregg – représente l’avant-garde d’une sous-culture underground émergente qui explore la notion de « Cosmic Americana » sous une variété d’angles créatifs.
Les quatre EP parallèles qui composent SUSS s’appuient fortement sur des instruments largement associés à la musique country : guitare acoustique, mandoline et surtout le pedal steel. Ces textures sonores, cependant, sont appliquées ici à des compositions qui s’inspirent à la fois des paysages sonores ambiants rêveurs de Brian Eno, des bandes sonores exotiques « Wild West » d’Ennio Morricone, du jazz extatique de Pharoah Sanders, du minimalisme patient de Pauline Oliveros, et les lavages bruyants post-rock de Labradford. En d’autres termes : Toto, j’ai l’impression qu’on n’est plus à Nashville.
SUSS sert également d’hommage charmant et approprié au membre fondateur Gary Leib, décédé en 2021 peu de temps après l’enregistrement de Suite Nuit, le premier EP inclus sur l’album. Cet album contient à la fois les derniers enregistrements de Leib avec le groupe et les premiers que les membres survivants ont faits après avoir pris la décision difficile de continuer en trio.
SUSS peut être des leaders dans le domaine actuel de Cosmic Americana, mais ils sont loin d’être les seuls. Il y a eu un intérêt croissant au cours des dernières années pour combiner les caractéristiques sonores de la musique country et folk avec les structures plus spacieuses de la musique ambiante, du psychédélisme, du jazz spirituel, du minimalisme et du nouvel âge. L’idée de psychédéliquer la musique country et folk n’est pas nouvelle : les Flying Burrito Brothers, Sandy Bull, les Byrds et les New Riders of the Purple Sage ont tous commencé ce travail il y a près de six décennies, sans parler des Grateful Dead, qui servent comme une pierre de touche presque universelle parmi cette génération actuelle de cueilleurs et de ricaneurs à l’esprit lysergique. Pourtant, le meilleur travail de ces dernières années parvient à voyager dans des perspectives inédites.
Ce qui suit est un aperçu de la pointe de l’iceberg moderne de Cosmic Americana, pour aider les nouveaux auditeurs à se mettre en route. Cela ne fera pas de vous un aficionado instantané, mais j’espère que cela vous fournira une bonne base au début de votre voyage.
Marisa Anderson et William Tyler – Avenirs perdus
Marisa Anderson et William Tyler sont tous deux des favoris cultes établis, chacun commercialisant un pastoralisme patient qui évoque étrangement les grands espaces de leurs régions d’origine (Oregon pour Anderson, Tennessee pour Tyler). Après avoir joué avec Lambchop et Silver Jews, l’effort solo de Tyler en 2016 Pays moderne a trouvé son talent à la fois pour l’expansivité et la mélodie indélébile en pleine floraison; pendant ce temps, les albums d’Anderson comme ceux de 2013 Chansons traditionnelles et du domaine public présentent à la fois un amour pour les chansons enfouies profondément dans le subconscient américain (pensez à «Will the Circle Be Unbroken») et une volonté d’étendre ces formes traditionnelles dans de nouveaux espaces bruyants informés par le free jazz et d’autres points au-delà.
Bien que ces approches semblent quelque peu disparates écrites, Anderson et Tyler sont des joueurs et des auditeurs très sensibles, ce qui rend cette collaboration non seulement inévitable, mais aussi plus fine que la somme de ses parties. À travers Avenirs perdus, les lignes des guitaristes serpentent les unes autour des autres avec beaucoup de soin ; même la mouture néo-minimaliste de « Something Will Come », un battement serré qui rappelle Black Sabbath jouant Philip Glass, est imprégnée d’une certaine grâce majestueuse. Dans ses sections relativement conventionnelles, cependant, Avenirs perdus chante avec une beauté douloureuse qu’il est difficile de ne pas aimer.
Chuck Johnson – Baumes
Le compositeur basé à Oakland, en Californie, Chuck Johnson, n’a pas une histoire très terre à terre : il a étudié au Mills College, plusieurs de ses œuvres antérieures sont en grande partie électroniques, et il est un fervent partisan de la philosophie et des techniques d’écoute profonde associées au la regrettée compositrice et enseignante Pauline Oliveros. Au Baumes, cependant, Johnson utilise l’un des instruments les plus étroitement associés à la musique country américaine, le pedal steel, comme vecteur de cette écoute profonde. Le travail épargné et charmant ici plane comme une brume aride du désert, un sud-ouest américain languissant de l’esprit quelque part entre Paris, Texas et un centre de méditation zen.
Groupe de la ville rose – Voyage terrestre
Ripley Johnson (également des groupes psychiques renommés Moon Duo et Wooden Shjips) a passé ses premières sorties en couple sous le nom de Rose City Band en tant que projet solo, avec un son logé confortablement entre le country-rock californien et la langueur retirée de la mi-période Yo La Tengo. Avec Voyage terrestreJohnson développe un peu la partie Cosmic Country de l’équation, invitant certains des principaux psychédéliques locaux dans sa maison d’adoption de Portland, Oregon pour les sessions.
Peut-être l’ajout le plus notable sur Voyage terrestre est celui du prolifique joueur de pedal steel Barry Walker Jr. (il a enregistré quelques disques solo époustouflants, ainsi que des contributions à des œuvres récentes de Nord-Américains, The Lavender Flu, Mouth Painter et plusieurs autres unités de premier ordre). Les embellissements de Walker aident à élargir le son, tandis que de subtils ajustements de mélange de pistes acides avec l’aimable autorisation de Cooper Crain (de Bitchin ‘Bajas) confèrent une magie vaporeuse aux mélodies décontractées de Johnson et au choogle interstellaire frit.
Yasmine Williams – Bois flotté urbain
Jeune guitariste solo inventive du nord de la Virginie, Yasmin Williams n’orne généralement pas sa musique d’effets électroniques trippants comme certains des autres interprètes répertoriés ici. Au lieu de cela, la musique de Williams voyage dans un territoire qui élargit l’esprit par la seule force de son originalité.
Sa maîtrise de la guitare fingerstyle habile et expressive serait assez impressionnante, mais sur Bois flotté urbain, Williams incorpore également des effets percussifs, le lap-tapping (une méthode où l’on pose la guitare sur ses genoux et joue du manche un peu comme un clavier, alternant entre tapotement et fingerpicking), et même jouer un kalimba en tandem avec la guitare. Elle passe même de la guitare à la kora avec aplomb. Ayant déjà joué de la guitare dans un groupe Go-go avec son frère, les mélodies complexes de Williams sont souvent plus influencées par le R&B et le jazz modernes que tout ce qui vient du canon (malheureusement nommé) American Primitive ; encore, les fans de Fahey, Basho, et al. trouvera beaucoup à apprécier ici.
corne d’élan – Les séances tempête
Le duo new-yorkais Elkhorn – le guitariste électrique Drew Gardner et le joueur acoustique à douze cordes Jesse Sheppard – utilise des formes folkloriques traditionnelles comme rampe de lancement pour des entraînements prolongés et lourds d’improvisation. Là où certains de leurs pairs ont tendance à être psychédéliques au sens langoureux et rêveur, Gardner et Sheppard sont prêts à s’aventurer dans des endroits plus noueux; ce n’est jamais un mal voyage, attention, mais cela peut être parfois un peu plus intense.
Cela dit, Les séances tempête est à la fois l’une des plus belles œuvres du groupe et l’une de leurs plus exploratoires. Entouré de neige avec son compagnon de voyage Turner Williams Jr. (AKA Ramble Tamble) le soir d’un spectacle prévu pour rendre hommage à un ami décédé, le musicien Mark Fosson, le trio ad hoc s’est plutôt mis à enregistrer deux improvisations épiques, avec Williams au bouzouki électrique d’un côté et shahi baaja de l’autre. La musique qui en résulte est errante sans paraître floue, élégiaque sans être pesante ; s’il ne s’agit pas de leur album le plus concis ou immédiatement accessible, il mérite d’être mentionné ici en raison de la façon dont il montre de manière passionnante les endroits où cette musique peut aller.
artistes variés – Luke Schneider présente l’hymne imaginaire vol. XI : Chrome Universal – Une enquête sur l’acier des pédales modernes
Les glissandi lugubres et retentissants de la pédale d’acier, longtemps un incontournable de la musique country, se sont révélés être un instrument central de la scène country ambiante. Cela a du sens, étant donné à quel point l’instrument se prête à la réverbération et au retard lourds, et étant donné les moments de transcendance trippante que Jerry Garcia a réussis sur l’instrument lors de ses premiers passages avec New Riders of the Purple Sage et David Crosby (si vous recherchez une façon de gaspiller inutilement le reste de vos jours, essayez simplement de trouver un musicien de country ambiant qui ne s’extasie pas sur la partie de pédale d’acier de Garcia sur le premier morceau de Crosby « Laughing »).
Luke Schneider, joueur de pedal steel très demandé de Nashville et artiste de Third Man Records, a assemblé cette compilation (la dernière de l’excellent label Tompkins Square Hymne imaginaire series) d’artistes actuels poussant l’instrument le plus agressivement dans de nouvelles directions. Associant des vétérans comme Susan Alcorn à des nouveaux venus comme Spencer Cullum (en plus d’inclure un morceau du susmentionné Barry Walker), c’est une écoute variée et toujours engageante, avec des moments à la fois sauvages et d’une beauté douloureuse. Mieux encore, il sert également de liste de contrôle d’excellents artistes à explorer plus en profondeur.