Les Oscars se trompent dans la meilleure catégorie de chanson : NPR

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Êtes-vous prêt à détester regarder les Oscars ? À notre époque d’indignation mémorable et commercialisable, plonger dans la plus grande nuit d’Hollywood est un passe-temps aussi prévisible que interrogatoire Les choix de rencontres de Leo di Caprio. Mais juste au cas où vous ne vous sentiriez que partiellement exercé par les controverses légitimes et les désastres de la mode en attente de la soirée, laissez-moi vous donner une raison de plus d’affiner vos hashtags. Je suis ici pour discuter de l’évidence : l’Académie se trompe complètement dans sa catégorie de meilleure chanson.

Le meilleur groupement de scores est en pleine forme, car Toutes les chansons jedi Robin Hilton a récemment montré des lecteurs. Et notre ami Stephen Thompson a fait la lumière sur ce est décent sur le meilleur tas de chansons. Le classement de Stephen montre qu’il s’agit d’une programmation typique, avec une chanson — cette année, c’est RRRLe classique instantané de Tollywood « Naatu Naatu » – qui résonne à la fois dans et au-delà de son cadre cinématographique susceptible de gagner contre quatre que presque personne n’a remarqué. Les chansons nominées aux Oscars qui sont de véritables succès ou qui prennent feu ont pris le petit homme en or à maintes reprises, tandis que leurs concurrents tombent dans l’oubli. Je sais que j’encouragerai si (quand !) L’industrie cinématographique massive de l’Inde reçoit son premier grand signe de tête d’Hollywood depuis Slumdog Millionaire« Jai Ho » a gagné il y a 15 ans. Mais au-delà de ça, quand des chansons sortiront, je lancerai du pop-corn au micro-ondes sur mon écran de télévision.

Voici pourquoi: 2022 a été une très bonne année pour les chansons dans les films, et je ne parle pas de ballades puissantes dépassant le générique de fin. (Désolé, Diane, Gaga et Rihanna, je pense toujours que vous êtes tous géniaux, mais c’est un truc endormi.) Je fais référence aux cinéastes qui utilisent des chansons pour entrer au cœur du cinéma et de l’expérience humaine, dans des scènes qui laissent la musique prend le dessus, presque comme un personnage, certainement comme un catalyseur. Les exemples actuels ne manquent pas, reflétant le cinéma d’auteur des années 1960 à nos jours. Mais aujourd’hui, les chansons dans les films vont encore plus loin en révélant ce que l’écoute ressent et ce que l’expérience de la musique avec d’autres peut faire. Les cinéastes de 2023 réalisent vraiment le pouvoir narratif des chansons. Ces moments musicaux de pointe méritent d’être reconnus.

Ce qui se passe est un changement, je pense, de l’utilisation des chansons principalement comme arrière-plan (ou comme détournements connus sous le nom de « bouchons d’intrigue ») vers leur intégration dans le langage cinématographique lui-même. Ce n’est pas tout à fait nouveau, mais sa domination parmi les films les plus remarquables de cette année annonce un moment décisif. C’est peut-être parce que les cinéastes les plus intéressants d’aujourd’hui sont pour la plupart des Xers et des milléniaux qui ont grandi avec des vidéoclips leur montrant comment les chansons pouvaient fonctionner sur un support visuel. Peut-être, comme me l’a dit un jour mon collègue Sheldon Pearce, c’est parce que de nombreux grands auteurs musicaux travaillent maintenant comme superviseurs musicaux. L’influence de la télévision en streaming fait certainement partie de la raison – ce domaine plus fluide de genre offre de nombreux exemples de la façon dont les chansons et les images peuvent se fondre pour raconter des histoires. Et probablement, la présence centrale de la musique sur les écrans via TikTok à YouTube pousse également le paradigme.

Quelle que soit la raison, les candidats aux Oscars de cette année capturent de nombreuses façons dont la musique imprègne la vie quotidienne, reflétant et même façonnant ses tournants. Jetez un coup d’œil à la liste des meilleurs nominés. Deux sont des comédies musicales (Elvis et Le goudron, que je compte parce qu’il adhère à l’exigence déterminante du genre selon laquelle la musique fait avancer l’intrigue). Deux, Les Fabelman et Les Banshees d’Inisheren, mettent en scène des personnages principaux pour qui la musique est vitale. Quatre (Femmes qui parlent, Avatar : la voie de l’eau, Top Gun : Maverick et À l’Ouest, rien de nouveau) comprennent des scènes clés dans lesquelles chanter ensemble unit les personnages à des moments charnières – en préparation pour la bataille ou l’évasion, à la naissance et à la mort. Et une, Tout partout tout à la fois, se sent comme une comédie musicale sans en être une; il est construit autour d’un rythme rythmique et d’une chorégraphie sauvage, et propose même une séquence musicale mettant en vedette un raton laveur animatronique exprimé par le compositeur préféré d’Hollywood, Randy Newman. À une exception près (le « songcord » dans Avatar), ce n’est pas une chanson originale qui définit le moment, mais une chanson familière dans les mondes que les personnages habitent – des mondes que les téléspectateurs reconnaissent.

Je pense que c’est l’avenir des chansons présentées dans les films, non pas comme un moyen d’attacher les noms des pop stars aux bandes sonores (OK, sauf pour les franchises Bond et MCU) mais comme un puissant outil de narration. L’Académie pourrait le reconnaître avec une nouvelle catégorie soit en augmentant la meilleure chanson originale, soit en la remplaçant complètement. Si l’industrie exige que les promeneurs de ballades obtiennent toujours leur dû, jetez simplement le mot « original » et élargissez ce qui est éligible. Mieux encore, récompensez la chanson la mieux adaptée de la même manière que le scénario le mieux adapté reçoit un clin d’œil. Le libellé n’est peut-être pas parfait, mais bon, l’Académie truque déjà les définitions quand il s’agit de machines à sous comme acteur de soutien (avez-vous vu Chaussée? Brian Tyree Henry est un mener). Le but est de reconnaître l’art de placer une chanson dans le bon contexte et de la laisser jeter son sort en tant qu’aspect intégral du processus de réalisation d’un film.

Prouvons à quel point les choses pourraient être meilleures : voici cinq prétendants aux chansons les mieux adaptées de 2023 que je nommerais, si j’étais celui qui remplissait les enveloppes des Oscars.

5. « Morgen Marschieren Wir, » À l’Ouest, rien de nouveau

Je n’aimais pas cette vision hautement esthétisée de la guerre des tranchées, mais bravo au réalisateur Edward Berger pour avoir ressuscité une marche patriotique qui a, en fait, rempli la gorge de milliers de soldats allemands bientôt abattus dans le cataclysmique Premier Monde. Guerre. Cette scène montre comment une chanson peut contraindre à la violence, devenant une arme à la fois déployée et pointée vers ceux qui la chantent. Points off parce que la partition inspirée du heavy metal de Volker Bertelmann empiète sur les voix des jeunes hommes alors qu’ils marchent vers leur mort.

4. « Grandes boules de feu », Top Gun : Maverick

Une autre scène d’avant-bataille, celle-ci dans le point d’eau local d’une académie militaire, est positivement Springsteenesque dans la façon dont elle mélange la nostalgie et le regret en utilisant la puissance du rock and roll des débuts. Il est édité de manière experte pour montrer comment même les châtaignes rock and roll les plus surjouées peuvent toujours avoir une signification personnelle. Tandis que le jeune Rooster (Miles Teller) joue du piano et que ses collègues recrues hurlent, notre héros temporairement exilé Maverick (Tom Cruise) écoute, stupéfait et dépourvu, à l’extérieur de la fenêtre du bar. Des images d’un autre homme au piano – feu le père du cadet, Goose, le meilleur ami de Maverick, qui a été tué dans un accident d’entraînement des décennies auparavant – scintillent à travers la scène comme des souvenirs déclenchés. Les projets d’agonie de Cruise, brisant la bravade de son personnage, font fonctionner la scène. Sa tristesse disloquée communique parfaitement le sentiment de solitude d’entendre une chanson que tout le monde aime – que vous avez chantée autrefois avec joie – mais qui vous blesse.

3. « Plus près de toi, mon Dieu », Femmes qui parlent

Dans son adaptation du roman d’idées sur le viol et la résistance de Miriam Toews se déroulant dans un avant-poste missionnaire mennonite, la réalisatrice Sarah Polley s’efforce de montrer que pour les personnes dévotes, la musique n’est pas simplement un complément ornemental à la parole ; il est la parole transformée en prière et en nourriture, son intensité soutenant la croyance face à une violence insensée. Alors que les femmes débattent pour savoir si elles doivent quitter leurs oppresseurs ou essayer de les réformer – alors qu’elles se haranguent, s’effondrent et luttent pour maintenir la compassion et la force – elles recourent aux hymnes lorsque les mots parlés échouent. Le plus puissant est la pause risquée qu’ils prennent pour chanter l’un des baumes musicaux les plus familiers du christianisme dans les instants qui précèdent leur départ de l’enceinte. J’ai vu des critiques se demander si quelqu’un interromprait une évasion pour une raison aussi banale. Ces critiques ne comprennent clairement pas la musique religieuse. Cette union de voix est ce qui rend leur évasion possible alors qu’ils puisent leur force dans une tradition qu’ils sont sur le point de transporter et de refaire.

2. « Êtes-vous sûr ? » À Leslie

Si vous avez déjà été un barfly, vous savez que la chanson jouée à la fermeture peut frapper fort. Ce portrait naturaliste d’une femme alcoolique glissant sur le fond et se battant jusqu’au bout évoque ce sentiment de dernier appel et oblige le spectateur à s’y asseoir assez longtemps pour vraiment saisir sa tragédie. Alors que Leslie, seule et affaissée, soigne la dernière bière de la nuit et se fait tirer dessus dans le refuge qui est devenu sa prison, les lamentations de l’ivrogne désolé de Willie Nelson se déversent du juke-box. Elle se moque de la douloureuse précision des lignes comme « regardez tous les habitués solitaires », mais la scène ne se termine pas avec ce moment de reconnaissance. La caméra se concentre sur le visage protéiforme de Riseborough – en colère, écrasé, durci, en ruine – et la scène se poursuit pendant toute la durée de la chanson. Ne faisant rien d’autre qu’écouter, Riseborough sombre sous le lent courant de la musique, sa réponse une forme d’auto-exposition aussi éloquente que n’importe quel monologue dramatique.

1. « Perdre ma religion » Après-soleil

Après-soleil méritait beaucoup plus de nominations aux Oscars que le seul acteur principal que Paul Mescal avait reçu ; sa représentation fracturée d’un voyage fatidique père-fille, à travers les yeux de l’enfant qui s’accroche à sa promesse et de son moi adulte qui le reconstruit des décennies plus tard, réalise tout le potentiel d’un cinéma ancré dans le personnel. Les fans ont choisi la scène finale, dans laquelle Calum de Mescal danse sur le classique glam « Under Pressure » avec sa fille Sophie (interprétée par le remarquable Frankie Corio), comme le point culminant doux-amer du film. Mais j’ai été stupéfait par l’effet de cadrage d’une autre chanson.

C’est une soirée karaoké dans la station balnéaire minable où le couple est enfermé, se faufilant des repas et des boissons qui ne sont pas sur leur plan; Au cours des dernières années, des activités banales comme chanter ensemble se sont ajoutées pour former quelque chose comme la tradition. Mais pas ce soir. Sophie les a inscrits et monte sur scène à l’appel de son nom, mais Calum refuse. Alors la voilà, tous les cinq pieds deux d’elle, laissés pour marmonner, chanter et faire des notes plates à travers « leur » ballade REM seule. Ce qui est remarquable dans cette scène, c’est qu’elle ne coupe pas. La réalisatrice Charlotte Wells laisse Corio en plan pendant toute la durée de la chanson. C’est très difficile à regarder – mon mari et moi avons en fait commencé à chanter sur notre canapé, comme si nous pouvions aider Sophie à le faire.

Cette scène complètement sans prétention en dit long sur les petites cicatrices que les parents pris dans leurs propres crises peuvent infliger à leurs enfants, et sur la façon dont les enfants s’efforcent de les ignorer et de les surmonter par amour, par peur et par un optimisme innocent et inutile. Les paroles de Michael Stipe, écrites sur un autre type d’abandon, deviennent le testament et le plaidoyer de Sophie. Elle en est propriétaire même si cela la détruit, et cela en dit plus qu’elle ne pourrait jamais en dire par elle-même.