La semaine dernière a été difficile pour les amateurs de musique. J’utilise cette phrase avec amour et parenté – je suis (comme vous, peut-être) le genre d’auditeur qui aime tellement la musique que ça fait mal. Et ce genre de passion pour les sons nouveaux et appréciés peut rendre ceux comme nous étranges, ou du moins amusants, pour les gens « normaux » qui n’écoutent peut-être que leurs favoris universitaires et ne vont qu’à un concert par an, parce que c’est dans l’air du temps. un parc ou sur la jetée.
Je propose cette déclaration de camaraderie parce que cette distinction parfois mesquine a fait surface de manière réelle mercredi dernier, lorsque le directeur éditorial du géant médiatique Condé Nast était assis dans une salle de conférence portant des lunettes de soleil et a dit au personnel de Pitchfork que le célèbre webzine musical serait absorbé, Star Trek-style, dans le magazine pour hommes GQ, et que la plupart des personnes présentes seraient licenciées assez immédiatement. Son mémo remerciant avec condescendance la rédactrice en chef de Pitchfork, Puja Patel (qui a été licenciée), a été divulgué en ligne peu de temps après, annonçant que cette décimation est ce que Condé considère comme « la meilleure voie à suivre pour la marque ». Tandis que sa célèbre section de critiques perdurera, le personnel restant de Pitchfork est une équipe squelette. GQLe paywall de est susceptible de diminuer la portée de ce que le site publie, et son identité – ce qui a conduit les musiciens et les fans à en faire leur page d’accueil ou à consulter les nouvelles critiques du jour à minuit – sera inévitablement remise en question. J’ai vécu des effusions de sang similaires dans d’autres publications, et ce qu’elles font au moral et aux charges de travail gérables ne peut être surestimé.
Depuis lors, une myriade d’hommages et de jérémiades ont été publiés sous forme d’articles et de fils de discussion sur les réseaux sociaux, aux côtés des adieux sincères de membres du personnel et régulier contributeurs célébrant l’excellent travail qu’ils ont accompli lors de la publication. La longue vie et l’évolution de Pitchfork ont à la fois dominé et incarné l’écriture musicale du 21e siècle : il a commencé comme un blog, essentiellement, alimenté par l’attitude de ses fondateurs, pour la plupart blancs, et s’est imposé à travers des casseroles créatives et méchantes d’artistes populaires et des hymnes à l’arty mais cool. des groupes hipsters comme Grizzly Bear et Animal Collective qui ont été augmentés par un système de notation numérique qui n’était pas unique (je salue le Consumer Guide de Robert Christgau, 51 ans et toujours en activité) mais qui a renforcé son statut de le faiseur de tendances dans ces cercles où Jonny Greenwood est un dieu.
Même avant que ses propriétaires ne concluent un accord avec Condé Nast en 2015, Pitchfork avait commencé à se transformer, devenant davantage un magazine conventionnel avec des articles et des actualités parallèlement à ses critiques. Alors que son autorité se solidifiait, des éditeurs du milieu et de la fin de la période comme Patel, Mark Richardson, Amy Phillips, Jill Mapes, Jessica Hopper et bien d’autres se sont consacrés à élargir et à diversifier la couverture de Pitchfork, réévaluant son héritage de « faiseur de rois » indépendant (MDR sexiste). et en faire la publication la mieux équipée pour couvrir le vaste front de mer atomisé de la musique contemporaine. Au cours de la dernière décennie, Pitchfork a formé bon nombre des auteurs musicaux les meilleurs et les plus influents travaillant aujourd’hui. Aujourd’hui, plusieurs d’entre eux cherchent du travail.
Si vous n’êtes pas un super, super-nerd, vous vous demandez peut-être pourquoi la demi-disparition de Pitchfork a généré tant d’angoisse. Les liens que j’ai fournis ci-dessus racontent l’histoire ; Je vais juste ajouter quelques réflexions supplémentaires :
Une grande écriture culturelle reflète le monde qu’elle couvre
La diversité du récent masthead et de la couverture de Pitchfork est importante. Cela ne fait que quatre mois Pierre roulante Les commentaires dédaigneux du fondateur Jann Wenner à l’égard des femmes et des musiciens du BIPOC ont déclenché sa propre tempête de feu, comme de nombreux anciens Pierre les employés ont raconté des histoires de sexisme structurel et de racisme au sein de l’entreprise, suscitant une conversation plus large sur l’histoire d’exclusion de la presse musicale. Pitchfork faisait partie de cette lignée problématique jusqu’à ce que ses éditeurs choisissent de s’y attaquer activement. Des reportages comme le Sunday Review, dans lequel des albums auparavant ignorés au-delà de son noyau indie-rock reçoivent l’attention qu’ils méritent, ont été l’expression publique de ce qui se passait dans les coulisses alors que de plus en plus de femmes, de personnes BIPOC et LGBTQIA+ assumaient des positions de pouvoir. L’absorption de Pitchfork dans une marque de magazine pour hommes semble être une décision très conservatrice à une époque où la musique s’est avérée être l’un des espaces les plus progressistes de notre culture. Le chercheur Robin James a écrit de manière perspicace sur la façon dont de telles démarches reflètent la fausse hypothèse selon laquelle les « frères » sont des consommateurs plus fiables que les femmes. Je trouve cela particulièrement bizarre après une année au cours de laquelle les plus grandes histoires de divertissement ont toutes été dominées par des femmes et des créateurs BIPOC, de Taylor Swift à Barbie à Bœuf.
Les critiques sont aussi des explorateurs
Ce coup dur ne touche pas seulement les journalistes musicaux ; cela contribue à la spirale descendante plus large qui met en péril tout le monde dans la musique au-delà de ce 1 pour cent Swiftien. Je ne suis pas le premier à le souligner. Publiciste Judy Miller Silverman noté que la couverture par Pitchfork de sous-genres « out » comme le jazz expérimental, la musique électronique et même Guitare hawaïenne à touche molle « a aidé toute une » économie « de musiciens à réussir. » L’écrivain Marc Masters a fait le lien entre cette consolidation et l’effet paradoxal de rétrécissement de la domination du streaming — Des plateformes comme Spotify offrent des galaxies de musique, mais leurs algorithmes confinent la plupart des auditeurs à de minuscules zones de goût et n’offrent aucun contexte ni véritable communauté. À ceux qui disent que l’écriture musicale n’est pas pertinente à l’ère de la découverte via TikTok et d’autres plateformes vidéo – demandez à n’importe quel artiste qui n’a ni le temps ni l’argent d’être également un influenceur brillant et heureux s’il veut manquer l’ancien. Fourche. Beaucoup j’en ai versé un pour cela après l’annonce de la nouvelle.
L’utilité est surfaite
Même si le rôle de l’écriture musicale en tant que forme de découverte, de promotion et de contrôle est indéniable dans l’histoire de la musique populaire, je souhaite également m’opposer aux tentatives bien intentionnées visant à affirmer son rôle productif au sein du secteur du divertissement. Pour moi, la meilleure chose à propos de l’écriture musicale est que, comparée à d’autres éléments de l’économie culturelle, elle est relativement inutile. Certaines formes de journalisme de divertissement alimentent plus que d’autres la machinerie créatrice de stars : les profils de célébrités, par exemple, étoffent les personnages qui transforment les artistes en objets fétichistes. Et comme ces partitions de Pitchfork l’affirment et font la satire, beaucoup de gens aiment essayer de quantifier l’art, de le juger en tant que performance ou produit.
Ce que j’aime dans la musique en écrivantCependant, c’est qu’il peut contourner l’aspect productif et compétitif de la culture, le besoin dicté par le marché de vendre plus de billets, plus de disques, plus de streaming. Au lieu de cela, une bonne écriture musicale perturbe la productivité en créant un espace pour ralentir et vraiment s’immerger dans le travail créatif de quelqu’un d’autre. Pour vraiment écouter. Les meilleurs écrits sur Pitchfork ou ailleurs reflètent ce processus et sont aussi variés que l’expérience humaine elle-même. Peut-être que ce qu’un écrivain trouve dans un album ou une chanson est une nouvelle façon de penser une pratique musicale particulière, car il analyse méticuleusement la structure des chansons ou les outils du studio. Peut-être qu’elle découvre des histoires perdues, des scènes entières et des sous-cultures. Parfois, elle découvre quelque chose qu’elle avait oublié dans l’histoire de sa propre vie, dans les recoins cachés de ses propres sentiments. Peut-être que les innovations sonores auxquelles elle est confrontée l’amènent à utiliser le langage d’une manière différente, et ce qu’elle obtient est une sorte de poésie. En lisant les écrits les plus puissants de Pitchfork – ceux que certains observateurs du paysage médiatique déclarent obsolètes, remplacés par des influenceurs et des algorithmes – je me sens nourri par l’audace de mes collègues scribes, par la manière dont leurs mots sont en effet étrangers au barattage de l’art et l’émotion comme produit, créant une zone où la pause compte, le temps passé à réfléchir, à rire d’une bonne réplique, à sentir mon cerveau crépiter alors qu’il absorbe un aperçu.
Ce dont je parle, c’est du plaisir. En fin de compte, ce qui compte dans l’écriture musicale est exactement le même que ce qui compte dans la musique : cela ne mène à rien de productif. Au lieu de cela, il offre une pause dans le train-train, une zone libre de réflexion et quelques moments de plaisir glorieux et rajeunissants. Il s’agit d’un type de plaisir différent de celui qu’apporte TikTok, un plaisir nerveux et rapide, passant toujours à une autre source de stimulus, augmentant toujours la concurrence pour attirer l’attention. L’écriture musicale dit : Ralentissez. Faites attention. Il est témoin du déploiement du sens dans un temps mesuré et y rappelle.
L’auteur-compositeur-interprète Josh Ritter l’a bien dit dans un tweeter l’autre jour : « Aimer la musique est une chose, mais pour tenter ensuite de traduire ces émotions ineffables en mots pour le reste d’entre nous, il faut du talent, du courage et un bel optimisme humain. » L’optimisme a tout à fait raison. Croire qu’un jour donné, une personne peut faire de la place pour absorber quelque chose d’apaisant, d’électrisant ou de stimulant, quelque chose que d’autres ont créé de toute son âme, puis trouver un moyen de le partager avec d’autres – c’est un don qui mérite d’être cultivé. À son meilleur, Pitchfork offrait à de nombreuses personnes la chance de vivre dans l’espace optimiste et glorieusement inutile de l’amour de la musique. Je sais que les écrivains qu’il a nourris continueront toujours à chercher les moyens d’y parvenir ; c’est là que demeure mon espoir.
Cet essai a été initialement publié dans le bulletin d’information NPR Music. Abonnez-vous ici pour en savoir plus.