8 Tracks est votre antidote à l’algorithme. Chaque semaine, le producteur de NPR Music, Lars Gotrich, avec l'aide de ses collègues, établit des liens entre les sons à travers le temps.
Ces dernières années, j'ai retrouvé mes hommes sur un champ de l'Alabama. Punks et hardcore kids – d'âges variés, mais de nombreux anciens de la scène, parfois accompagnés d'enfants – communient dans un pit… ou du moins à bonne distance pour se baigner dans les riffs lourds et la sueur du Sud. Furnace Fest est organisé avec un mélange de groupes classiques et actuels – les anciens favoris souvent cultes bénéficiant d'un deuxième, troisième ou quatrième souffle ; ce dernier nous montre où est et peut être le hardcore. J'y retourne cet automne non seulement pour voir Coalesce, Mindforce et Snapcase, mais aussi pour passer du temps avec une équipe de gens que j'ai rapidement appelés amis.
Même si le barrage de heavy peut fatiguer mes oreilles et mes membres, l'arme secrète du Furnace Fest est le hasard : témoin du premier plongeon d'une adolescente, un sexagénaire aux cheveux gris dans la fosse souriant de tout son cœur, cédant de manière inattendue à la notalgie pour se souvenir de ce qui a fait un groupe ska-punk tellement formateur. Ainsi, en 2023, lorsque je me suis assis sur l'herbe loin de la scène principale pour assister à la dernière moitié du match aller-retour de jeudi de La guerre tout le temps – célébrant alors les 20 ans de sa sortie – j'ai été frappé par la tendresse de « Steps Ascending ». C'est une chanson qui parle de dire au revoir à quelqu'un qui est mort de manière assez tragique et violente, quelqu'un avec qui on n'est pas parti en bons termes. Le groupe post-hardcore n'a pas beaucoup joué « Steps Ascending » à l'époque, donc ce soir-là, on pouvait voir les blessures sur le visage de Geoff Rickly et dans l'âme de sa voix. Même devant un public de mille personnes ou plus, il y avait une communication intense au niveau personnel dans ces moments-là.
Jeudi a été traversé par des cycles de formation : rompre, réunir, répéter. L’époque actuelle semble solide, en grande partie grâce à la sobriété et à la sagesse qui vient avec l’âge. La nouvelle chanson du groupe ouvre cette édition de 8 Tracks, que nous devrons appeler 10 Tracks parce que je ne pouvais pas m'en empêcher – il y avait tout simplement trop de bonté la semaine dernière !
Jeudi, « Demande de libération du rêve »
À leur meilleur, les chansons de jeudi sont une catapulte d'émotion : une tension frémissante monte alors que Geoff Rickly chante doucement ses peurs et ses souvenirs, puis une libération extatique de cris et de riffs perce le ciel. La première chanson du groupe post-hardcore en 13 ans fait exactement cela, mais avec une perspective durement gagnée. « Application for Release From the Dream » privilégie largement le rock cinématographique des années 2011 Pas de transfert, mais dynamise l'atmosphère avec une panne brève mais satisfaisante. Un retour fulgurant et fulgurant.
Toi, « Je ne ressens rien quand tu pleures »
Je célèbre tout le catalogue de Toi ; le vinyle du groupe de métal occupe littéralement une place complète sur mes étagères de disques. « Mais Lars », demandez-vous, « comment différenciez-vous une tâche de huit minutes de boue métallique d'une autre ? » Au milieu de mon long monologue, vous vous évanouissez à cause de l'ennui. Mais, voyez-vous, c'est là que « I Feel Nothing When You Cry » ressemble à un point d'entrée étrangement accessible dans le destin caustique de Thou : c'est rude, tapageur et accrocheur. Il y a de la densité des riffs, mais rien n'est perdu pendant ces quatre petites minutes. Le groupe s'arrête pendant une fraction de seconde, à peine un instant pour reprendre son souffle, puis revient avec joie. Cette chanson est conçue pour détruire un sous-sol punk dans une petite ville américaine.
Sonja, « La discrétion pour les généreux »
Un bar avec des go-go danseurs n'est généralement pas ma scène, mais j'y étais l'année dernière, à Baltimore, alors que des femmes tatouées en résille tournoyaient sur le métal glamour et gothique de Sonja tandis que nous jetions des bières et pompions nos poings… c'était parfait . Les chansons de la chanteuse et guitariste Melissa Moore équilibrent la sordide et la sophistication avec un sens économique de la mélodie qui éclate juste au bon moment – elle vous invite dans son monde de luxure et de danger, mais selon ses conditions.
Bbymutha, « vas-y ! »
Jusqu'à présent, le flow de Bbymutha – un style traînant et polyvalent du Sud tiré de ses racines de Chattanooga, Tennessee – était confortablement installé dans un piège slinky. Sur le prochain paralysie du sommeil, cependant, le rappeur s'est inspiré du garage britannique et de la musique dance des années 90, augmentant considérablement le BPM. Le rythme de Rocky Floyd pour « go! » commence en territoire familier, mais glisse un quatre-sur-le-sol frénétique au-dessus du rythme trap subdivisé et des gribouillis de synthé. Les railleries timides et grossières de Bbymutha se transforment ensuite en un étourdissement trop caféiné dans cette concoction inattendue.
Archives Nia, « Cartes sur la table »
En parlant de mashups quelque peu contradictoires, Nia Archives atteint une énergie similaire en avance rapide et au ralenti sur ce morceau phare de son nouvel album. Le silence est fort. Les coproducteurs Ethan P. Flynn et Nia Archives associent un breakbeat jungle au rythme ensoleillé d'une guitare acoustique, transformant la douceur du rock alternatif de Sixpence None the Richer en une rave.
Th Blisks, « Enchancity »
La musique de Th Blisks est lo-fi à la fois dans le sens classique (chansons décousues enregistrées de manière DIY) et dans la nouvelle forme de playlist (des rythmes pour se détendre/étudier). Dans sa production en boucle de bande dégoulinante – sans parler du mélodica – il y a aussi des échos pesants du dubby post-punk des Slits. C'est un espace étrange à occuper, mais en supposant que « Enchancity » soit un portemanteau, ce trio australien a construit à lui seul une ville enchantée.
Marin célibataire, « Dusty »
Au cours des cinq dernières années, Unwed Sailor a sorti cinq albums. Et, en tant que personne qui suit le groupe de rock instrumental de Johnathon Ford depuis deux décennies, son changement de ton vers la nostalgie – en particulier son amour pour New Order, Pale Saints, U2 – a donné lieu à certains de ses travaux les plus engagés. Avec sa basse en roue libre et un rythme de batterie propulsif, « Dusty » imagine un skate-punk éventreur pour les creuseurs de caisses dream-pop, rempli de la toute première vidéo de skate de Ford.
Alan Braufman, « Brooklyn »
Malgré toute l'action que connaîtra la flûte en 2024, il est important de se rappeler que l'instrument à vent capture non seulement les ambiances méditatives, mais aussi les envolées de fantaisie. Alan Braufman, un OG de la scène loft jazz new-yorkaise des années 1970, a connu un renouveau : sa musique récente rappelle les feux du free jazz, mais forge des grooves plus profonds. Dans « Brooklyn », cependant, Braufman est tout sourire. Passant du sax alto, la mélodie légère de sa flûte navigue sur les ébats polyrythmiques de Chad Taylor et Michael Wimberly, la basse sinueuse de Ken Filiano et les vibrations immaculées de Patricia Brennan (littéralement, un vibraphone). James Brandon Lewis, au sax ténor, reste en retrait dans la contre-mélodie. Pour moi, le highlife ouest-africain et la fusion afro-antillaise rappellent certaines des expériences exotiques les plus réussies de Martin Denny – ludiques et légères, mais avec une texture dense.
Stéphanie Lambring, « Parking de l'hôpital »
Passez les mouchoirs; celui-là est un larmoyant. Stephanie Lambring de Nashville sait comment cadrer les petites choses qui écrasent lentement votre esprit, sans toutefois se détourner des vérités qui fleurissent ou se fanent. Dans la ballade « Hospital Parking », Lambring transforme les reçus de stationnement en rappels quotidiens de la vie et de la fragilité de l'amour – comment des pensées en spirale peuvent obscurcir (ou même clarifier de manière choquante) nos sentiments envers la famille et les amis en cas d'état d'urgence. « Sortez une minute pour prendre l'air », chante-t-elle sur un piano laborieux de Pat Sansone de Wilco. « Respirez le cauchemar de quelqu'un d'autre. » Une chanson courageuse qui ne veut pas l'être.
Daniel Bachman, « Quaker Run Wildfire (24/10/23/-17/11/23) pour violon et guitare »
Daniel Bachman est à son niveau ces jours-ci. Il peut encore sortir sa singulière guitare fingerstyle, mais a passé une bonne partie de ces dernières années à interroger non seulement sa propre musique, mais aussi son estime de soi et son devoir envers la terre et ses gardiens. « Quaker Run Wildfire (10/24/23/-11/17/23) for Fiddle and Guitar » est une pièce de 25 minutes pour le label Longform Editions, qui présente des enregistrements sur le terrain des incendies qui ont ravagé près et à l'intérieur du parc national de Shenandoah. où il vit : on entend les oiseaux crier à travers la fumée, les hélicoptères militaires larguent des litres d'eau, les souffleurs de feuilles tentent de combattre les flammes. Les drones violon et la guitare glitchée imitent les violents scintillements de la dévastation et l’impuissance qui s’ensuit. Une méditation obsédante et parfois poignante sur le changement climatique provoqué par l’homme.