Comme tout sous-genre, le funk metal avait ses mauvais et ses bons. Non sérieusement! Malgré le fait que la plupart des gens qui étaient à l’origine pendant sa première (et, espérons-le, la dernière) vague se moqueront toujours des décisions musicales et vestimentaires de l’époque, il y a eu des trucs impressionnants qui sont ressortis de cette combinaison improbable. Non, sérieusement!
Il y avait aussi une tonne d’ordures, et parfois tout ce que vous aviez à faire était de retourner le LP ou d’attendre qu’une chanson se termine et qu’une autre commence à expérimenter l’une ou l’autre. Mais c’est la nature de l’expérimentation et ce qui se passe lorsque des mecs fous qui s’attaquent au métal qui pensaient que jeter une petite guitare chocka-wocka à travers une pédale wah était la clé de la célébrité. Certains ont réussi, beaucoup d’autres ont échoué. Pensez-y de cette façon : le gars qui a inventé The Flaming Dr. Pepper a probablement gaspillé des bouteilles incalculables de gnôle de valeur et a créé une cuve pleine d’eaux grasses dans le processus avant de trouver la combinaison gagnante improbable.
À l’exception de leur troisième album en grande partie flasque, La prochaine pièce, Mordred était l’un des rares à prendre les ingrédients interdits du thrash metal et du funk et à construire une paire d’albums de qualité supérieure. les années 1989 Jeu de fou était un album de thrash mélodique, décalé et virtuose avec quelques numéros funky (dont l’un était une reprise de « Super Freak »), alors que son suivi de 1991 Dans cette vie était une montagne russe musicale plus sombre qui avait du thrash metal et Mince Lizzy culte imbibé de grooves funky décalés et d’un courant de fond avant-gardiste. C’est là qu’Aaron « DJ Pause » Vaughn (claviers/platines vinyles/échantillons) s’est imposé comme une pièce de puzzle vitale du son du groupe, apportant les images et les sons de l’industrialisation et de l’urbanisme et le mettant sur un pied d’égalité avec le rock classique, le skiffle capricieux , des influences post-punk effrayantes et fusion-y thrash et un héroïsme de solo de guitare.
Le défilé des ténèbres est le résultat de cette expansion initiale du métal sous forme libre, associée à plus de 20 ans de croissance et d’expériences musicales. De nos jours, la formation classique du sextet de Bay Area reste presque entièrement intacte, avec le batteur Jeff Gomes (ex-MIRV, l’un des groupes les plus étranges à avoir jamais marié des sons lourds et funky) étant le dernier ajout à la livraison d’une expérience musicale variée enracinée dans le thrash metal mais employant toujours suffisamment d’art extérieur pour que les gardiens désavouent le groupe plus rapidement que l’ancien président Orange ShitStain n’oublie le les noms de ses anciens partenaires commerciaux inculpés.
L’album est une bête à chargement frontal qui sort de la porte avec une variété de prises et d’ajouts au thrash et au métal. « Demonic #7 » galope comme en 1988 avec Vaughn démontrant davantage son importance pour le groupe au-delà du statut de battage médiatique / pom-pom girl de la plupart des DJ dans un groupe de rock. Oui, il ajoute du scratch, ce qui peut être un anathème pour le métal, mais il y a aussi toutes sortes d’échantillons, de sons et de bruits foley-esque superposés en arrière-plan ajoutant de la texture et de la profondeur à la piste dont elle-même aurait pu être tirée. Dans la vie sorties.
« Malignancy » est une onde sonore multidirectionnelle entièrement formée qui utilise de manière transparente un refrain emprunté à un Mince Lizzy, le chanteur Scott Holderby sonnant à la fois comme un jeune mâle et une version mature de crooner de lui-même, thrash de l’apogée du groupe et comprend ce qui équivaut à un solo de platine. « I Am Charlie » tord un riff de skank de Mustaine autour d’un barrage d’échantillons et de scratches avec des accords de basse proéminents ouvrant les portes d’un refrain effrayant et descendant qui serait à l’aise dans les annales du speed metal américain. L’entrée et la sortie des sections solo sont plus du thrash à l’ancienne avec une voix moderne et des couches de guitares déconcertantes.
La chanson titre est un autre mélange homogène de genres : une lourdeur calliope décalée, des mélodies de charmeur de serpents, la luminosité de Bay Area avec le phrasé vocal de Holderby liant tout en douceur, en particulier pendant les huit intermédiaires les plus discordants. Et bien sûr, Danny White et Jim Sanguinetti continuent de briller en tant que six cordes méconnues avec des pistes impressionnantes empilées sur des pistes impressionnantes.
Cependant, le back-end de l’album vacille. « All Eyes on the Prize » est un milquetoast avec un refrain qui ressemble beaucoup trop à Mojo coincé au goût de toute personne sensée. « Dented Lives » est une charge mince et dérisoire et « Dragging for Bodies » fonctionne à des degrés divers sur le côté corusant de la brûlure à chaleur moyenne, mais la ligne vocale souvent maladroite gémit et a du mal à placer les paroles. Mais bon, tout est racheté par le très Lizzy-ish « Smash Goes the Bottle », que j’ai dû rechercher pour m’assurer que ce n’était pas une couverture. Je veux dire, ça pourrait toujours l’être, mais de toute façon c’est un éventreur.
En plus de tout ce qui précède, il convient de noter que si MordredLa quatrième pleine longueur de ‘s n’est peut-être pas un classique glacial, c’est un cultivateur. Les différents segments, phases et utilisation de l’avant-poste musical ne facilitent pas la catégorisation et le classement du disque, mais c’est un album que les auditeurs découvriront au moins quelque chose de nouveau et d’excitant à chaque écoute. Sérieusement.