Le processus de création est différent pour chaque artiste, mais la plupart du temps, une fois qu’une chanson est sortie, elle est disponible pour la consommation publique et la critique. Les musiciens ne choisissent pas souvent de revoir leur matériel, mais ils ne sont pas non plus enclins à adhérer aux directives traditionnelles en général. Ils sortent régulièrement des versions unplugged, dépouillées ou acoustiques de leurs chansons, mais qu’est-ce que cela change vraiment par rapport à la musique originale ?
Pour les musiciens alternatifs plus hardcore, retirer une chanson l’adoucit et la rend plus adaptée à la consommation grand public. C’est un moyen pour les personnes qui évitent normalement le genre de découvrir une perspective différente. Les versions acoustiques des chansons de métal sonnent comme des parents polis éloignés des originaux, d’une manière paradoxalement étrangère mais familière que même les têtes de métal hardcore apprécient. D’autres genres ont des expériences étonnamment similaires.
Les genres rap, house et techno énergiques et riches en basses mutent également sous l’influence d’une session d’enregistrement débranchée. En conséquence, les artistes trouvent des moyens intuitifs de préserver l’essence de leurs chansons originales. Certains changent complètement de genre, tandis que d’autres ralentissent la musique à un tempo mélancolique plus modéré.
Peu importe le genre, les fans ont un amour particulier pour ces chansons modifiées, et les musiciens ne semblent pas avoir de problème à s’y adonner. Il y a une liste apparemment interminable de musiciens qui ont fait des adaptations dépouillées de leurs propres chansons. Ceci est juste une courte compilation de quelques chansons qui ont été fondamentalement modifiées par rapport à leur matériel source.
Tendances suicidaires
Suicidal Tendencies a traversé plusieurs genres au cours de ses 40 ans de carrière, le plus doux étant le skater-punk influencé par la côte ouest et le plus intense étant le thrash metal. Le groupe provocateur n’a jamais été connu pour ses douces mélodies relaxantes, ce qui est la moitié de ce qui rend son remix acoustique de « How Will I Laugh Tomorrow », une chanson déjà faussement sérieuse, si intéressante. La suppression de la distorsion et de la batterie implacable en fait une chanson indie plus triste tout en conservant des voix avec une pointe d’angoisse et de dénuement.
Couleur vivant
Le groupe de hard rock qui a trouvé la popularité à la fin des années 80, Living Colour, flirtait avec le brutalisme de style métal ainsi que le funk et même des éléments de jazz-rock. Tout en embrassant occasionnellement la comédie, leur musique a toujours réussi à transmettre une signification passionnée substantielle. L’enregistrement original de « Nothingness » sorti en 1993 traite de la solitude, de l’isolement et de l’instabilité de toute situation. C’est un récit psychédélique mélancolique, et nettement plus sombre que la discographie punk-adjacente politiquement chargée habituelle de Living Colour. Cette disparité thématique fait de leur interprétation semi-acoustique de 2016 un changement de ton moins dramatique mais néanmoins une version illustrée qui dégage la tristesse docile que l’original implique.
Paramore
Paramore, le groupe de rock alternatif emo, a dominé la scène pop-punk du début des années 2000, en particulier avec l’une de leurs chansons les plus populaires « Misery Business » sortie en 2007. Au cours des 15 années qui ont suivi, la chanson a fréquemment suscité la controverse et à plusieurs reprises été critiqué pour son attitude semi-désobligeante envers les femmes. L’opinion publique a rebondi, et la tête de Paramore, Hayley Williams, a exprimé des remords à propos de la chanson et reconnaît qu’elle l’a écrite au tout début de son adolescence. La version acoustique 2013 de Paramore ne perd rien de cette juste colère, mais elle passe à un type d’émotion plus mature, peut-être plus conscient de soi. Cette interprétation donne l’impression que les membres reconnaissent que leur chanson originale était juvénile et quelque peu problématique, mais toujours nostalgique et influente.
Prolongation de trois jours
Les membres de Three Day’s Grace sont connus pour leurs paroles sombres et désolantes et leur son métal alternatif. Le dévouement presque religieux du groupe aux tendances peu recommandables et violentes de l’expérience humaine garantit que leurs fans s’attendent et se délectent de leurs pannes antagonistes normales. Par conséquent, la version acoustique 2003 du groupe de » I Hate Everything About You » était un étrange départ de leur son ordinaire. Il s’appuyait fortement sur des percussions qui n’étaient généralement pas utilisées dans le métal, mais la voix gardait toujours la même tension et la même émotion, ce qui en faisait une chanson plus violemment vide que l’original.
Polo G
La capacité stylistique diversifiée de Polo G donne à sa musique un large éventail de sous-genres, mais Polo G concentre systématiquement ses chansons sur l’amélioration de soi, la famille et la motivation. Cela est évident dans sa chanson « Inspiration » de 2019 qui dicte le parcours de Polo G pour devenir un musicien professionnel et rend hommage à ceux qui l’ont soutenu en tant que jeune artiste. Son style minimaliste a été illustré par Einer Bankz accompagnant le ukulélé dans cette représentation acoustique, et l’accent mis sur les paroles se traduit par une meilleure compréhension de l’appréciation de Polo G pour son succès.
Les canneberges
La voix unique de Dolores O’Riordan et l’influence irlandaise traditionnelle évidente dans la discographie antérieure des Cranberries ont donné lieu à une fascinante expérience de rock alternatif appréciée par les fans de post-punk et les admirateurs de folk. Leur album de 2017 Autre chose en témoigne, présentant des versions acoustiques de certaines de leurs chansons les plus populaires et recrutant l’Irish Chamber Orchestra pour maintenir l’affection et l’intensité pour lesquelles les paroles du groupe ont été acclamées.
TesseracT
TesseracT est un groupe de métal progressif du milieu des années 2010 connu pour sa brillante exécution technique et ses albums excessivement énergiques. Leur ensemble acoustique de trois chansons réalisé avec Metal Injection en 2011, préserve leurs paroles intensément émotionnelles, sans les pannes typiques de la technologie. Traditionnellement, TesseracT produit des chansons de djent dynamiques, avec parfois des moments de métal plus classiques plus lourds pour des récits particulièrement émouvants. Leur version acoustique de « April », une chanson écrite sur un traumatisme sexuel, ressemble plus à la tristesse brisée d’une personne désespérée qu’aux plaintes d’un observateur enragé.
carolesfille
La musicienne alt-pop, carolesdaughter, n’est pas étrangère à l’impact d’une guitare acoustique, avec son premier grand succès « Violent », capitalisant sur la pureté de l’instrument, complété par son influence soft-goth, désormais signature. Son album suivant s’il vous plaît mettez-moi dans un coma médicalement provoqué, présentait l’original « Trailer Trash », une chanson optimiste mais cynique sur la pauvreté, la toxicomanie et l’évolution artistique. Sa version alternative, juste un arrangement dépouillé ralenti de l’original, met en évidence une voix torturée d’autodérision et une simple guitare. Cette chanson bénéficie particulièrement d’une interprétation acoustique, solidifiant l’inspiration de l’artiste affamé appauvri dont la chanson était à l’origine tirée.
Halsey
Halsey, la musicienne féministe autonomisante, est dans l’intérêt du public depuis 2014. Normalement, ils suivent la ligne entre la danse électronique et le rock alternatif, mais cet acte d’équilibre a été totalement ignoré lors de la création de « You Should be Sad » de l’album 2020. maniaque. L’album lui-même s’étend sur plusieurs genres, mais « You Should Be Sad » a des influences country claires qui sont quelque peu éclipsées par les harmonies pop stylisées de la chanson. La voix viscéralement émouvante de Halsey situe fermement la chanson au carrefour de la pop et de la country. Leur version acoustique, cependant, gère le passage complet à une chanson country au cœur brisé. S’appuyant exclusivement sur un accompagnement de guitare solitaire, cette version du message douloureux de la chanson apparaît avec une clarté gutturale.
MISIO
Les paroles cathartiques de style témoignage de MISSIO et la mutation électronique entre house music et indie donnent naissance à un groupe qui équilibre le sérieux de la vie quotidienne avec les leçons comiques et maladroites de la sobriété. En enlevant le bord électronique de leurs chansons, le ton de MISSIO devient plus sérieux et il devient plus difficile d’interpréter leur musique autrement que comme une récupération de la dépendance et une survie. « Kamikazee », sorti en 2017, décrit un individu moralement tendu se querellant avec ses désirs égoïstes internes. La version originale de la chanson s’appuie sur la mélodie fabriquée au rythme effréné pour porter la chanson au-dessus du déplorable appétit vilain décrit par les paroles. En revanche, la version acoustique ralentit la chanson vers plus de repentir, et la voix adopte le ton d’autodérision suggéré par l’original.
Marina et les diamants
Marina Diamandis, mieux connue sous le nom de Marina and The Diamonds, est une musicienne pop alternative hyper-féminisée qui s’appuie normalement sur des mélodies aériennes et des voix altérées, créant une atmosphère musicale artificielle sucrée et vibrante. Son deuxième album Coeur electra s’appuie sur des percussions synthétiques comme base pour les quatorze chansons frappantes au cœur brisé. Dans son set acoustique, Diamandis abandonne la forte dépendance aux mélodies électroniques pour propulser ses histoires fictives de féminité. Au lieu de cela, sa voix remarquablement confiante transmet toute l’émotion des chansons. Cet effet est évident dans l’acoustique « Starring Role » où les paroles expriment la colère d’une femme d’être maltraitée et sa préférence pour être seule plutôt que d’être le partenaire frivole insignifiant de quelqu’un. La performance du groupe d’accompagnement accentue sa voix, mais de manière retentissante, le vrai désespoir se superpose à la voix de Diamandis.
Nirvana
Il ne sert à rien de relayer les brillantes turbulences du Nirvana. Leur son était à la base de la vague grunge. Le désordre hormonal déchaîné de leur musique n’a pas été facilement ignoré, et ne l’est toujours pas. Alors que les fans apprécieront toujours que la mentalité de bricolage chaotique que Nirvana a aidé à repousser dans la sphère publique au début des années 90, il y a quelque chose d’incontestablement séduisant dans leurs sessions débranchées. MTV Unplugged à New York, sorti en 1994, est une collection de quatorze chansons dépouillées qui mettent toutes en valeur la voix sombre et rayée caractéristique et l’étendue du talent musical du groupe. L’album a été loué pour son honnêteté émotionnelle brute et montre un côté plus sérieux et respectable du groupe. Cela leur a donné une couche de complexité qui avait été systématiquement ignorée au lieu de mettre en évidence leur délinquance perçue ou les supposées émotions superficielles du grunge. En somme, cet album a été issu de la culture dépressive de la jeunesse dans laquelle Nirvana se délectait et a été peaufiné pour un public plus adulte désireux de voir la véritable profondeur du groupe.