Au cours des dernières années, les prises continues uniques sont devenues un dispositif courant dans le cinéma et la télévision, un gadget objectivement impressionnant quoique quelque peu surutilisé qui permet aux conteurs de fléchir leurs ambitions et de maximiser la tension élevée d’une scène émotionnellement significative.
Les « one-ers » peuvent parfois avoir un effet de showboating plus leur durée d’exécution est longue, mais lorsqu’ils sont exécutés avec une précision presque parfaite, comme dans le drame culinaire passionnant et chaotique de FX. L’oursle résultat peut être une chose remarquable à regarder, de voir autant de pièces mobiles s’assembler de manière transparente.
Créé par Christopher Storer, L’ours est le spectacle parfait pour appliquer une telle technique. La série se concentre sur la brillante et instable chef Carmen « Carmy » Berzatto (Jeremy Allen White) alors qu’il lutte pour diriger la sandwicherie de son frère à Chicago à la suite du suicide de son frère. Héritant à la fois de difficultés financières et d’une équipe hétéroclite de cuisiniers tout aussi talentueux et endurcis, Carmy fait face à une pression constante et suffocante pour maintenir le restaurant à flot.
Au cours du septième épisode de la série, écrit par la productrice exécutive Joanna Calo et réalisé par Storer, l’anxiété de Carmy s’intensifie délicieusement dans une superbe prise de 18 minutes. Alors qu’ils se préparent pour une ruée vers le déjeuner ultra-occupée de manière inattendue, Carmy et son équipe sombrent dans une folie chargée de jurons, l’assaut des billets de précommande déclenchant une tempête d’attitudes amères, de malentendus et même un coup de couteau accidentel.
Sans couper l’action, à part sa séquence d’ouverture sur le thème de Chicago, L’oursLe one-er dramatiquement savoureux capture efficacement la claustrophobie de la pression de la cuisinière de son cadre, tout en augmentant encore les enjeux de la culpabilité et du chagrin latents de Carmy à propos de la mort de son frère.
L’expérience de Storer dans la réalisation d’œuvres en direct minutieusement mises en scène (spécials de Bo Burnham Quel. et Rendre heureux) ainsi qu’une comédie minimaliste axée sur les personnages (Rami) semble également informer la puissance narrative et esthétique de l’épisode. Dans une interview avec Consequence, Storer et le directeur de la photographie Andrew Wehde exposent leur approche pour conceptualiser le one-er, coordonner la chorégraphie des acteurs et de l’équipe, et combien de prises il a fallu pour obtenir le bon plan.
Comment le processus de mise en forme de l’épisode de cette façon a-t-il commencé?
Christophe Storer : Le scénario de Joanna était vraiment phénoménal. Il y avait ces longues scènes avec tous nos personnages entrant et sortant qui continuaient à augmenter la chaleur et à tourner les vis. C’était vraiment propulsif et vivant.
Plus je le lisais, plus je pensais à quel point une coupe pouvait tuer l’élan, donc l’idée de le faire comme un one-er était vraiment le meilleur moyen de ne pas saper la tension. Jeanne, [cinematographer] A dessiné [Wehde] et je voulais m’assurer que c’était absolument à 100% au service de l’histoire et non de nous montrer.
L’ours (FX)