BT a disséqué ses plus grands titres pour inviter les fans à un voyage à travers sa carrière historique [Exclusive]

Avec une carrière de plus de 25 ans, le mythe de la musique électronique dance surgit à travers BT. Le flair sonore révolutionnaire du légendaire producteur de trance a jailli à travers la sphère de la musique dance au milieu des années 90 comme un affluent, la pénétrant en route vers le début d'une nouvelle époque électronique.

Alors que les développements pionniers de BT dans la musique transe sont devenus plus omniprésents au fil des ans, son art a commencé à muter, à évoluer et à se développer dans une litanie de sous-genres électroniques tels que IDM, ambient et même trip hop. Au fil du temps, il a commencé à ressembler à un sosie de lui-même – une personne complètement différente avec le même visage et le même esprit.

Cependant, son dernier album, L'art perdu du désir, éclairé au clair de lune comme une machine à remonter le temps qui l'a transporté à ses racines de danse. Le disque, arrivé par voie de Enregistrements de trous noirs, est une ode à tout ce qui est perdu, un microcosme de son son pionnier qui aspire à raviver les éléments intrinsèquement nostalgiques de notre passé.

L'album est essentiellement une collection de vignettes, qui fusionnent toutes en un supercollider de trance, de breakbeat et d'électro-soul pour réintroduire BT par procuration dans le zeitgeist EDM. La genèse de ces vignettes, cependant, s'est manifestée au cours d'une longue et illustre carrière, et son arc en est un de grand prestige et de patience.

Pour célébrer la sortie de L'art perdu du désir, BT a disséqué les cinq morceaux les plus influents de sa riche carrière.

"Ciels bleus"

Le moment où "Blue Skies" est sorti est très différent de ce que sont les choses aujourd'hui. Cette fois est même antérieure à l'explosion électronique de la fin des années 90 à certains égards. Pour moi, ce n’est pas seulement que l’histoire de la création de ce morceau est si intéressante, mais c’est comprendre cela dans le contexte de l’industrie de la musique, des pré-festivals et du climat du monde à l’époque – c’est tellement différent.

je faisais IMA en '91 et '92. Je travaillais sur cet album, et c'est littéralement après que je sois allé à la Berklee School of Music. J'y suis allé à 15 ans, puis j'ai déménagé à Los Angeles pendant une minute chaude, je n'ai pas pu obtenir de contrat d'enregistrement et je suis retourné dans la région du Maryland DC, et je vivais littéralement dans une chambre dans laquelle j'ai grandi, faisant de la musique et commençant Plat profond avec mes amis Ali et Sharam.

"Blue Skies" est un morceau de musique intéressant entre la sortie de mes albums IMA et ESCM. Après IMA Je voyageais beaucoup en Angleterre et je me suis inscrit Frères Warner par Paul Oakenfold et un autre monsieur nommé Ian Stanley, qui est un de mes héros (il était dans Tears for Fears). Me voici, un enfant, en train de faire de la musique dans ma chambre à coucher chez mes parents et j'ai littéralement porté ce disque "Blue Skies" dans une chaussette parce que je ne pouvais pas me permettre un sac convenable et tenir mes cassettes DAT. Voilà combien de temps.

IMA était sorti et était une énorme sensation en Angleterre et j'allais à la télévision Breakfast et Top of the Pops et toutes ces choses et personne à la maison ne savait qui j'étais. Encore une fois, pré-Internet, non?! Le label pour lequel j'ai été signé n'était pas présent en Amérique, j'ai donc conclu un accord avec Paul Oakenfold et il a fait appel à l'ingénieur Howie Weinberg, qui est une légende absolue à part entière. Ce qui est intéressant à ce sujet, c'est que Paul et Howie pensaient que les instrumentaux étaient incroyables, mais que nous avons besoin d'une chanson que nous pouvons porter à la radio et en faire quelque chose.

Tori Amos et j'étais devenu ami grâce à des amis communs au milieu des années 90. Et donc la façon dont "Blue Skies" est née est la suivante: je lui ai envoyé une copie de IMA et lors d'un soundcheck en direct, elle a mis la chanson "Divinity", et elle a chanté une improvisation sur cette chanson et me l'a renvoyée. Ce qui est fou, c'est qu'elle n'a jamais dit le mot «bleu» à côté du mot «ciel», et vous savez que les gens qui liront ceci sauront que je suis connu pour ce genre de techniques d'édition folles, notamment l'édition et le genre de bégaiement. de techniques d'édition micro-rythmique. Et donc, j'ai coupé cette voix à un niveau phénoménal … littéralement fait des mots à partir de rien. C'est devenu la voix de "Blue Skies" et j'ai complètement supprimé "Divinity", et j'ai écrit un morceau de musique dans une tonalité et un mode totalement différents. La chanson à ce niveau représente à elle seule une formidable expansion de mon ensemble d'outils personnels et j'adore jouer avec un groupe. Je joue de la basse sur celui-là et c’est tellement amusant.

Rapide et furieux Thème principal

Tout d'abord, travailler avec Rapide et furieux réalisateur Rob Cohen au fil des ans a été tout simplement passionnant. Je le considère comme un bon ami. C'est un réalisateur incroyable et cette partition a été enregistrée alors qu'il y avait encore un Sony Todd AO Studios, qui était une pièce aussi réputée (et à juste titre) que AIR Lindhurst. Ils n'ont littéralement pas nettoyé les plafonds de cette pièce pendant 30 ans par superstition. C'était couvert de poussière sur les faisceaux parce que vous savez qu'ils avaient enregistré Guerres des étoiles Là. Alors ils se disent: «Ne touchez à rien! Laissez les micros là où ils sont, mettez l'orchestre là-dedans et c'est parti. "

Quand nous avons fait le Rapide et furieux, c'était comme un projet de passion pour moi, pour Rob, pour les acteurs, pour vin Diesel, pour Paul Walker, etc. C'était passionnant de visiter et de sortir sur ce plateau, de les regarder filmer, de s'asseoir dans les voitures et de s'inspirer en général. C'était littéralement un projet passionné car le studio et les dirigeants ne voyaient pas de grand marché ni de potentiel de retour sur investissement élevé pour ce «petit film sur les courses de rue». Nous savions tous qu'il y avait un massif scène de course underground qui se passe et que de nombreux membres de la communauté adorent le hip-hop et la musique électronique. Je me sentais très aligné avec cette communauté. Les acteurs, Rob et moi étions tous vraiment investis dans la narration de ce mouvement culturel. Le studio, si nous sommes honnêtes (et s'ils sont honnêtes), ne l'a pas du tout compris. Ils disaient "nous mettrons autant d'argent pour faire ça mais nous n'allons pas vraiment commercialiser ce film beaucoup" ou peu importe, et nous étions tous comme: "On s'en fiche, peu importe, on sait à quel point c'est génial c'est."

Je me souviens que lorsque nous avons eu notre premier test de projection à LA, le studio a obtenu le théâtre le moins cher possible, ce qui était comme au cœur d'Orange County au milieu de nulle part et, vous savez, ils ne pensaient pas que quiconque se présenterait. Rob était assez gentil pour m'envoyer une voiture puisque nous travaillions tous pour presque rien. Dans le même temps, le thème principal n'avait pas encore été écrit. D'accord, j'ai donc enregistré une tonne de la partition, mais je n'ai pas encore percé ce thème principal, donc c'est une partie très importante de l'histoire que je vais raconter.

Rob m'envoie une voiture, je panique comme, tu sais, aller au théâtre, et j'y arrive et je ne plaisante pas, il y avait 8 000 personnes sur le parking. Il y avait des low-riders avec des lumières OVNI sur eux. Il y avait comme des filles habillées comme des filles Harajuku à Tokyo, et l'ambiance et l'énergie dans ce parking étaient littéralement tout droit sorties de chaque Rapide et Furioufilm à venir. Entrer dans cette salle de cinéma (aucun moyen pour tout le monde de s'intégrer dans le théâtre, tout le monde n'avait pas de billets) était un sentiment fou. Il y avait environ 150 personnes là-dedans, et encore une fois, il y avait des milliers de personnes dans le parking, applaudissant et paniquant comme Spectacle d'images d'horreur rocheux. C'était fou. Et à la fin de tout cela, ils ont fait le score du test et le film a été projeté 100 sur 100. Universal n'a même pas envoyé de représentants pour voir la projection, donc ils ne nous ont même pas vraiment cru et ils ont pensé que nous cuisinions les livres ou quelque chose. Ils n'ont jamais eu un écran de cinéma 100. Je pense que le score de projection le plus élevé qu'ils aient jamais obtenu était un 97. Ils ont littéralement testé cette chose trois fois et il en a projeté 100, tous les trois, et ils étaient comme, "Oh snap peut-être que nous ferions mieux de dépenser de l'argent pour cette chose, il semble que c'est un gros problème!

En tout cas, j'étais tellement excité de voir tout le monde là-bas lors de la première projection et la réaction à cela, que dans la voiture au retour, j'ai eu une idée du thème. J'étais paniqué parce que je n'avais pas d'instrument alors j'ai littéralement sorti un morceau de papier dans ma poche et compris le thème (c'est en 6/4 qui est un mètre impair). Le lendemain, j'ai appelé Rob et j'ai dit: "J'ai besoin de trois épaves de voitures." Et il était comme, "Qu'est-ce qu'au nom de Dieu." "J'ai besoin de trois des voitures que vous avez déjà détruites", ai-je dit. Et il est comme, "C'est fou mais, je vous fais confiance si bien."

Ils ont donc envoyé trois des voitures au studio. J'ai eu des photos quelque part, et trois amis qui sont des percussionnistes d'orchestre sont venus et j'ai écrit des parties notées sur la portée des percussions de Grand Cassa, des piattes et d'autres instruments de percussion orchestraux traditionnels. La différence était que nous les avons joués sur des pièces automobiles. Cela donne ce sentiment d'élan et de mouvement à ce thème, puis nous avons enregistré les magnifiques trucs d'orchestre chez Todd AO et c'est un peu comme ça que tout cela est arrivé. C'était une expérience vraiment spéciale, c'est pourquoi j'ai voulu partager celle-là.

Austin Monte

"Juin flamboyant"

Je passais beaucoup de temps en Angleterre quand j'ai écrit «Flaming June». Je rendais visite à mon ami Guy Oldham, qui travaille maintenant pour Apple et est un gars adorable qui était DJ dans les années 90. Je dois énormément à Guy parce qu'il a été la première personne à m'inviter en Angleterre et j'ai obtenu mon contrat de disque.

Alors je rendais visite à Guy à Manchester, et j'enregistrais dans un endroit appelé Planet Four, qui dans les années 90 est devenu l'un de mes endroits préférés pour travailler en Angleterre – c'est avant que j'aie jamais eu un beau studio à moi. J'avais du matériel mais il était toujours entassé dans une chambre ou quelque chose comme ça, tu sais. Configuration humble, pas du tout un environnement d'écoute critique. Et donc entrer dans un studio d'enregistrement pour moi dans les années 90 était, vous savez, une très grosse affaire et l'est toujours. J'adore enregistrer des orchestres ou des tambours en direct ou tout ce qui est tout simplement incroyable, des choses plus importantes que nous n'avons pas de place à faire ici.

La chose la plus cool à propos de Planet Four est qu'elle appartenait à Dossiers d'usine, donc c'est où comme le Colonne Durutti, Nouvelle commande, Je veux dire certains de mes groupes préférés, jamais de tous les temps, Joyeux lundis, tous enregistrés là-bas. Je pense que c'était un studio commercial mais il fallait en quelque sorte être ami avec les gens de Factory Records pour y enregistrer et ils n'ont pas laissé tout le monde le faire, et la salle de contrôle était remplie de synthétiseurs vintage. C'était donc comme un mélange, un peu comme ce que j'ai essayé d'imiter avec ma pièce maintenant, qui est essentiellement comme un espace de travail central et une zone de position d'écoute. Là-dedans, ils avaient une table de mixage, puis juste emballés avec des synthétiseurs, donc c'est comme mon endroit de rêve.

Les gens de Frères Warner, Perfecto, Le label de Paul Oakenfold, avait payé pour que je sois là depuis un certain temps, et j'avais cette mélodie dans ma tête pendant des semaines et des semaines et des semaines que j'avais passées en Angleterre. C'était l'été et je jouais à des festivals – des festivals de type Glastonbury – et je dormais sur le canapé parce que la maison de Guy n'avait pas de chambre d'amis. C'est vraiment inconfortable. Je me suis réveillé à moitié paralysé, je suis allé au studio et j'ai travaillé. Je suis assis dans le taxi et le chauffeur entend mon accent américain et d'autres choses et nous parlons, et il y a une sorte d'accalmie dans la conversation et puis il a dit: "Flaming June" planifiant juin, "et j'étais comme, "Huh, c'est un nom cool." Et je n'oublierai jamais cela et j'ai commencé à planifier ce matin-là, et j'ai enregistré la mélodie que j'avais pour, vous savez, me promener avec elle pendant des semaines et des semaines et commencer à esquisser ensemble cette piste. Nous enregistrons sur bande cette fois, et l'ingénieur a dit: "Quel est le nom de la chanson?" J'ai simplement dit: «Flaming June».

"Simplement être aimé"

À l'époque, je travaillais avec des gars qui venaient à un tas de spectacles. Le groupe était des musiciens incroyables, y compris maintenant Guns N 'Roses guitariste Richard Fortus. Mon tour manager à l'époque pensait que c'était vraiment drôle Justin Timberlake et JC prendrait leur avion privé pour venir regarder mon émission à la House of Blues d'Orlando après avoir vendu le Madison Square Garden. Mais c'est comme ça que j'ai connu ces gars en tant que fans. À un moment donné, je suis devenu plus ami, j'ai travaillé ensemble et j'ai passé du temps ensemble. Je demande à mes amis, vous savez, est-ce que je devrais faire de la musique avec ces gars-là, et beaucoup de mes amis de la dance music me disent: "Oh, c'est comme de la musique ringarde ou ailleurs". Et je me dis: "Mais ils sont tellement talentueux."

En tout cas, de mon propre gré à ce moment-là, j'ai décidé de faire de la musique avec eux et Justin est venu à la maison. Je n'oublierai jamais cette fois comme c'était le cas lorsque je travaillais sur "Simply Being Loved". Justin était fini et a pris une de mes guitares sur le mur, et a juste commencé à chanter et à jouer de la guitare, et je me dis: "Je me fiche de ce que quelqu'un dit, je connais la capacité donnée par Dieu quand je la vois." Ces types sont ridicules. J'ai commencé à travailler sur la musique avec eux et ils voulaient vraiment faire quelque chose avec ce genre de choses de type Stutter Edit hyper-éditées et micro-rythmiques pour lesquelles je suis connue. Ils feraient toujours référence au phénomène hip-hop. C'était comme l'une de leurs chansons préférées. Tout en travaillant là-dessus, j'ai travaillé sur la pop avec eux et c'est connu pour avoir ce genre de Michael Jackson dans un mixeur, son vocal hyper-édité.

Donc, "Simply Being Loved", c'est en quelque sorte que je dis: "Je vais aller plus loin." Je suis tellement excité et intéressé par cette idée de montage vocal à cette époque et c'est presque comme une sorte de montage vocal surréaliste où c'est clairement une voix humaine, mais il y a tellement de traitements intéressants, de modifications et de changements tout le temps.

Vivant à Los Angeles à cette époque, j'avais ce super système audio dans ma voiture. J'ai écrit la démo de "Simply Being Loved" et je suis allé – c'était un camion – à mon Escalade. Et je l'ai joué dans la voiture, et je suis allé faire un tour et j'ai fini par ramasser un groupe d'amis. Et nous l'avons tous écouté comme 10 fois dans la voiture et ils se sont dit: "C'est fou, il faut finir cette piste."

Je suis retourné au studio et j'ai enregistré une voix rude, puis j'ai passé un mois complet à faire des montages vocaux – tous ces différents traitements du vocodeur Roland VP-330 aux traitements logiciels en passant par l'édition de bégaiement à la main, toutes sortes de sons fous et ésotériques conception. Puis, après la sortie, le livre Guinness des records du monde en a entendu parler et ils m'ont contacté pour un disque de montage vocal. Cette chanson s'est retrouvée dans le Livre Guinness des Records du Monde pour le plus grand nombre de modifications vocales dans un morceau de musique enregistré, soit 6 178. L'ironie de la chose est que je l'ai brisé personnellement probablement 100 fois depuis. En tout cas, c'est une chanson dont je suis vraiment fier sur le plan de la composition et du point de vue de la production, elle a été très bien accueillie.